Et si vous hésitez et que vous vous dites « super, mais je veux profitez des dernières innovations » suivez notre calcul :
A la sortie de Lightroom 4 vous pourrez acheter la mise à jour pour 99 euros. Du coup, vous aurez la dernière version pour 248  € soit 50  € d’économie sur l’achat de la licence complète !  Bref, dans tous les cas, cette promo est un bon plan pour ceux qui veulent passer sur ce logiciel professionnel de gestion et de traitement de photo. Et pour ceux qui veulent vraiment profiter à fond de ce logiciel, n’oubliez pas notre formation Lightroom complète et mise à jour dès le lancement commercial de la version 4.

La promo d’Adobe sur Lightroom 3 c’est par ici.

Si Final Cut Pro X représente une véritable rupture technologique dans le montage vidéo, sa sortie n’a pas manqué de lui attirer les foudres des utilisateurs les plus exigeants qui ont reproché notamment le Multicaméra et le monitoring vidéo. Deux fonctions que l’on retrouve dans cette mise à jour 10.0.3 tant attendue qui pèse rien de moins que 1,47 Go. Il semblerait que l’annonce de cette mise à jour ait provoqué un ralentissement des serveurs de l’App Store, c’est dire si elle était attendue. Des nouveautés que vous retrouvez bien entendu dans la suite de votre formation Final Cut Pro X, livraison prévue dans quelques semaines ! Encore un peu de patience.

Dans la même veine, votre prochain tuto Motion 5. Elles sont certes mineures : ajout de vitesse et de réactivité dans l’éditeur texte, ajout de points clés automatiquement, nouveaux raccourcis clavier pour le repositionnement  des courbes et des trajectoires d’animation. Compressor est aussi mis à jour en version 4.0.2 avec les marqueurs qui sont définis comme des marqueurs de chapitres par défaut, la vitesse de passage entre le 10 bits 4:2:2 à ProRes a aussi été améliorée.

Retrouvez notre formation sur Compressor

Tuto Final Cut Pro et Studio : Présentation du didacticiel

C’est sur trois nouveautés majeures que Laurent Brixius s’est concentré dans cette petite formation gratuite.

L’installation automatique de Plugins
Dans ce tutoriel Sketchup, Laurent Brixus installe un plugin très facilement. C’est une nouvelle fonctionnalité très pratique. Auparavant l’installation de plugins dans Sketchup était beaucoup moins aisée.

Tuto SketchUp : L’installation automatique de Plugins

Désactiver l’ensemble de vos plugins d’un seul coup
C’est une fonction très pratique lorsque vous avez un bug et que vous voulez identifier la source du problème.

Les outils de caméra avancés

Ce plugin Sketchup, auparavant uniquement disponible sur la version professionnelle, est désormais accessible à tous. Il permet de positionner des caméras physiques dans votre modèle Sketchup et de les paramétrer très finement.

Tuto SketchUp : Les outils de caméra avancés

Quel est votre parcours ?
Bertrand Allaume : C’est un peu compliqué dans le sens où j’ai toujours abordé mon activité selon quatre axes différents : l’activité de musicien et compositeur, la partie réalisateur / ingénieur du son, La partie informatique musicale / formation / intégration de studio, la partie administration du spectacle vivant / droit de la propriété intellectuelle. Bref, un parcours dense avec des expériences multiples et complémentaires. Il y a deux, j’ai crée mon studio ElektricFarm avant d’intégrer l’équipe d’iSwitch, APR (Apple Premium Reseller) sur le nord de la France en tant que formateur (Logic, Final Cut et Aperture) et responsable du marché créatif (installation, création d’unités de production audio, vidéo et photo). Je suis également Logic Pro Train the Trainer. Des activités qui m’occupent mais qui me laissent le temps de jouer dans mon nouveau trio, ElektricGang

Final Cut Pro X a été un critiqué a sa sortie. Quel est ton sentiment sur cette nouvelle version de FCP ?
Personnellement, je trouve cette nouvelle version fantastique pour au moins deux raisons : La première, c’est qu’Apple –  pour la première fois – nous sort un nouveau logiciel accompagné d’une feuille de route sur son développement. C’est rassurant et plutôt engageant pour le futur.
L’autre raison c’est qu’Apple poursuit un développement, déjà entamé avec Logic Pro, pour rendre ses applications créatives réellement abordables pour les créatifs. On quitte vraiment cette époque des logiciels exploitables uniquement par des informaticiens, qui de fait, s’accaparaient la chose artistique, pour une nouvelle période ou les créatif (donc pas forcément informaticiens ou techniciens) peuvent pleinement exploiter le potentiel de ces nouvelles solutions. Pour moi, c’est une évolution importante que je défends .

Quel est le premier conseil que tu donnes pour un avoir un son parfait dans un montage vidéo ?
« Less is more ». Cela qui signifie que pour un bon mix il faut mieux baisser les éléments sonores de second plan plutôt que de chercher à pousser les éléments de premier plan. C’est la même chose avec un eq, il est préférable de couper les fréquences gênantes plutôt que de pousser les fréquences que l’on souhait entendre.

Comment avez-vous construit ce tuto Final Cut Pro X ? Que va-t-on y trouver ?
Cette formation est née d’une demande d’Olivier Vigneron (Yakyakyak.fr) pour les démos sur le village Apple du Satis 2011. Dans toutes les réactions autour de cette nouvelle version de Final Cut il y avait beaucoup de griefs sur la partie audio et sur les possibilités d’export. Or, lorsque l’on connait ce logiciel, il propose beaucoup de choses pour l’audio avec de nouveaux concepts particulièrement pertinents comme l’utilisation des Rôles pour les exports, les plans composés pour le traitement audio et l’arrivée des plug-ins 64 bits dont ceux de Logic Pro et leurs nombreux pré-réglages.
Ce sont tous ces éléments que j’ai souhaité mettre en avant tout en prenant le temps pour revenir sur les quelques concepts fondamentaux que sont l’utilisation d’un eq et d’un compresseur. Et puis, cerise sur le gâteau, l’utilisation des plug-ins Duende de Solid State Logic (SSL), directement issus des consoles de ce fabricant mythique, que l’on croise dans de nombreux auditorium. Bref, le nec-plus-ultra de l’audio directement accessible dans Final Cut !

Quels sont les usages de ce logiciel ?
Je l’utilise surtout pour créer des designs de personnages lorsque j’ai envie d’aller vite. L’interface et les outils sont pour moi plus facile à utiliser que ceux de ZBrush. C’est devenu presque une usine à gaz et la simplicité de sculptris est bien agréable lorsqu’on veut faire des Sketch 3D…

Est-ce une bonne approche pour se lancer dans la 3D ?
La sculpture 3D est tout de même une approche différente de la 3D « classique ». C’est très agréable car on arrive à avoir des formes satisfaisantes très rapidement. Par contre, dans un logiciel de 3D du type 3 des Max, Maya, Cinema4D, Blender ou d’autres, il y a un apprentissage plus long et il faut être patient pour arriver à modéliser aussi précisément qu’en sculpture numérique…

Quel conseil donnez-vous à celui qui veut se lancer dans l’univers magique de la 3D ?
Malheureusement, je vais briser les rêves de beaucoup de gens mais la 3D n’a rien de magique ! Pour arriver à faire rêver les gens à travers les films, les effets spéciaux, etc, c’est beaucoup de temps d’apprentissage et ensuite beaucoup de travail…
Le meilleur conseil, patience !
Ensuite, savoir observer pour être capable de trouver les détails qui rendront crédibles vos créations…

Que trouve-t-on dans cette formation Sculptris ? 
Nous découvrons tout d’abord les bases du logiciel, de l’interface aux outils en passant par le options… Ensuite, vous apprenez à sculpter un visage humain, à mi-chemin entre le cartoon et le réaliste. C’est à mon avis, une bonne formation pour débuter la sculpture numérique.

Quels est votre parcours ?

Antoine Defarges : Après un bac littéraire j’ai suivi une formation d’auteur/dessinateur de BD sur trois ans, avec une option retouche numérique. Durant mes études j’ai multiplié les expériences dans divers milieux liés au graphisme (imprimerie, agence de communication, travail ponctuel pour la presse). Suite à cela je me suis lancé directement en indépendant et j’ai commencé à travailler pour divers magazines spécialisés comme rédacteur de tutoriels et traducteur. À peu près au même moment j’ai été contacté par l’école E-tribart pour intégrer leur équipe de formateurs, sans doute après qu’ils aient lu un de mes tutoriels. Une activité en amenant une autre je me suis vite retrouvé à travailler à plus-que-plein-temps dans tous ces domaines. Aujourd’hui je suis illustrateur et graphiste indépendant, journaliste, traducteur et formateur, une variété d’activités qui m’offre le luxe de ne pratiquement jamais avoir à chercher de client et de vivre de ma passion.

Comment préparez vous la création de vos oeuvre ? 
Le plus souvent je dois m’adapter à une demande, je commence donc par savoir ce qui est attendu par le commanditaire. Sur un plan plus technique, je me documente beaucoup sur ce qui est fait par d’autres, mais aussi sur un tas de domaines annexes comme l’architecture, l’ingénierie, la nature, etc. J’essaie généralement de réfléchir à l’approche stylistique et pratique que je peux avoir de mon illustration, puis je met mes idées à plat sous forme d’un court texte. Je réalise ensuite quelques croquis basiques pour planifier correctement les grandes lignes (perspective, cadrage, choix de composition…) sur Photoshop ou sur papier, puis je me lance en suivant le processus déterminé durant la préparation. Si je ne me suis pas planté durant mes recherches le travail s’effectue relativement naturellement. Il faut prendre en compte le budget du client, les contraintes de temps, et ne pas se lancer dans de longues nuits blanches si le travail n’est pas suffisamment rémunéré. En un mot, la rentabilité ne doit pas être perdue de vue.

Quelle est votre définition du Concept Art ?
Je ne me considère pas comme un concept artist, mais plutôt comme un illustrateur. La différence se joue principalement dans l’utilisation qui est faite des dessins, puisque je ne travaille pas pour le moment avec des sociétés de jeux vidéos ou de films, mais pour des clients variés, essentiellement dans la presse. Mes illustrations sont le produit final, elles ne servent pas à développer des modèles 3D ou des jeux. Le concept art – tout comme l’illustration au sens large – consiste avant tout à mettre en forme des idées originales, à créer des univers, que ce soit par des décors, des personnages, des objets. Il faut savoir s’inspirer de tout ce qui existe dans le monde réel pour créer quelque chose de purement imaginaire, sans pour autant tomber dans la copie. La mise en scène et le choix des couleurs est également primordial.

Quels conseils donnez à un artiste en devenir ?
Il n’y a pas de secret, il faut travailler. Je dessine depuis toujours et continue d’apprendre, en n’hésitant pas à passer des semaines entières à me remettre en question et m’arracher les cheveux. Les fondamentaux que sont l’anatomie, la perspective et la gestion des ombres et lumières sont indispensables, il faut donc avant tout se former là-dessus. Les logiciels, Photoshop en tête, sont indispensables en termes de productivité et de souplesse mais ils restent secondaires, ce que trop de gens souhaitent ignorer. En un mot, un bon technicien ne fera pas toujours un bon dessinateur, alors qu’un bon dessinateur abordera l’apprentissage d’un logiciel de façon plus pragmatique et efficace. L’autre vrai conseil serait de commencer par acquérir une tablette graphique (si vous voulez travailler sur ordinateur), car sans cela vous serez très vite limité. Enfin, n’hésitez pas à contacter des gens comme moi qui sont souvent prêt à regarder votre travail et le commenter. Souvent les débutants se sentent démolis par la critique, mais au final c’est ce qui fait avancer.

Que vais-je trouver dans ce tuto Concept Art Photoshop ? Vous allez voir ce qui fait le quotidien de nous autre les ermites. Se poser des questions simples; Que vais-je dessiner? Dans quel style? Quelle sont les solutions techniques qui s’offrent à moi? Vous allez ensuite apprendre à mettre à plat vos idées, à faire des croquis rapides, puis à progresser étape par étape vers l’illustration finale. Ceci passe par des compétences de base à acquérir en matière de perspective et de manipulation du logiciel (une heure y est consacrée) puis sur une pléthore d’astuces que j’ai glanées avec l’expérience ou que j’ai carrément mises en place moi-même. Le savoir se partage, je tiens le mien d’une infinité de sources, et vous devez considérer ma formation comme une des sources qui seront à la base du vôtre. J’aborde la création de formes personnalisées (imitation d’outils réels sur le logiciel), l’utilisation des calques, des modes de fusion, des calques de réglages et donc des outils de retouche de couleurs et de luminosité, la création de volumes via l’utilisation des ombres et lumières, la création d’effets spéciaux (lasers, lumières, reflets sur l’eau)… Mais avant tout, j’ai voulu montrer la totalité des réflexions qui entrent en jeu dans la réalisation d’une image, les essais et erreurs, les aller-retours. Vous allez apprendre à illustrer!

Quel est votre état d’esprit à l’approche de la diffusion grand public de ce spot à la télé ?
Mickael Guédon : Je suis évidemment très fier du résultat, nous avons très bien travaillé, l’équipe a été efficace et soudée.

Quel a été votre rôle dans l’équipe qui a réalisé ce spot ?
J’ai un peu touché à tout. Tout ce qui a été mise en place dès le début du projet, la mise à jour des personnages de l’ancienne version, la création des accessoires, des décors, plein de petites choses. J’ai également une très bonne connaissance technique de Blender, et encore plus spécifiquement avec la dernière version, donc j’ai pu aider mes partenaires à ce niveau là.

Quels sont les atouts de Blender pour cette réalisation ?
Blender est un logiciel gratuit et performant, c’est déjà un premier point important, pour des individus ou les petites entreprises qui ne peuvent pas de payer le luxe d’acheter des licences souvent très chères. De plus, il est multi-plateforme et le fait très bien. C’est à dire que quelque soit le système d’exploitation, il fonctionnera strictement de la même manière sur tous. Par exemple j’ai travaillé en première phase sur des Macintosh, et par la suite j’ai continué à travailler sur une machine Linux. Pendant ce temps là, l’animateur principal travaillait depuis chez lui sur l’animation avec une machine Windows. Énorme flexibilité donc. Enfin, la réalisation de rendu stylisés est très simple et rapide avec le moteur de rendu interne, ce qui nous a permis de bénéficier de minimiser au maximum nos temps de rendu.

Par rapport à la formation, quels sont les fonctionnalités (outils) les plus utilisés ?
C’est difficile d’en sortir du lot, mais disons que principalement dans ce genre de résultat stylisé, la gestion des passes multiples et complète est un atout majeur. Les systèmes nodaux, de matériaux ou de composition, est également quelque chose d’important. Tout cela apporte, encore une fois, une très grande flexibilité.

Est-ce que cela signifie que Blender a pris ses lettres de noblesse ? Qu’il entre dans la cour des grands logiciels 3D ?
Je ne prétends pas changer le cours des choses avec cette réalisation, mais c’est certain que depuis peu l’écosystème des petites entreprises de production est en train d’ouvrir les yeux quant à ce qu’on peut faire avec. Cela va de pair avec l’ensemble de la communauté professionnelle de Blender, qui devient elle aussi plus mâture. Je pense qu’il faudra à l’avenir de plus en plus compter avec.

Quels autres logiciels ont été utilisés ?
Pour toute la 3D c’est Blender qui a été utilisé. Une petite partie de Blender a été utilisée pour la post-production, mais majoritairement les logiciels After Effects et Nuke ont pris le relais à ce niveau. Photoshop, Illustrator et The GIMP ont été utilisés pour les textures.

Joyeux Noël

Musicien reconnu, Jean Gobinet à travailler des artistes aussi exceptionnels que Stevie Wonder, Didier Lockwood ou Henri Salvadore. Tout au long de ces années, il s’est adapté aux demandes qui étaient faites pour produire des conducteurs ou des partitions de qualités professionnelles. Jean a ainsi réalisé de nombreux arrangements et des orchestrations, notamment pour des musiques de film tels que The Artist ou le Transporteur.

Les métiers de la musique ont beaucoup évolué ces dernières années. De moins en moins de musiciens utilisent du papier pour noter leurs idées ou leurs compositions. « Pour ma part, j’ai choisi Sibelius car il me permet d’écrire ma musique comme je l’ai toujours fait tout en me faisant bénéficier des outils les plus performants des technologies et cela sans jamais remettre en cause les fondements même de la notation musicale. » nous explique votre formateur spécialiste du logiciel d’Avid.

Les deux projets présentés sont complémentaires, ils vous permettront de savoir comment travailler vite et efficacement avec Sibelius. Il est recommandé de les reproduire scrupuleusement. Vous allez ainsi apprendre dans ce tuto Sibelius, que c’est un logiciel très performant mais surtout très intuitif.

La conclusion revient à l’artiste : « J’espère que ce formidable outil de notation vous apportera beaucoup de satisfactions et qu’il donnera à votre musique l’aspect du travail bien fait.  »

Zbrush, c’est un peu le logiciel 3D chouchou de votre auteur. Une approche radicalement différentes de la 3D qui permet de laisser libre court à son imagination. Finalement l’approche d’un utilisateur de Zbrush est assez proche de celle d’un sculpteur sur argile. Dans cet atelier, Cyril va vous apprendre à repousser les limites de votre logiciel pour réaliser un Colossus, un titan a l’air renfrogné. Puis pour les amateurs de science-fiction, il quitte le mode de l’organique pour produire un incroyable Mecha : un robot sur-puissant qu’on croirait sortir du film Avatar.

Dans ce tuto Zbrush 4 plus de 7 heures, vous saurez tout du Dynamesh, du Mode Transpose, Curve Mode et surface noise. Afin de donner une image réaliste de votre oeuvre, Cyril se concentre ensuite sur les différentes techniques de rendu. Bref, une formation complète pour maîtriser sur le bout des doigts la modélisation sous Zbrush 4 R2.

Stéphane Anquetil : C’est une version majeure. Une sorte de maturité. Avec la R13, Maxon quitte le rôle de challenger, de logiciel de 3D « qui monte » pour s’installer dans le top 5. C’est la consécration d’années de développement PC et Mac dans le souci de la stabilité, de l’ergonomie, d’un apprentissage « facile » et de l’ajout constant de fonctionnalités. Dans les nouveautés de Cinema 4D R13, il y a beaucoup de petits aménagements ergonomiques, de fonctionnalités rajoutées. Bien sûr, le « nouveau » moteur de rendu physique accapare l’attention des graphistes, mais en fait, il y a eu un travail de fond depuis la R12 qui porte ses fruits.

Cette version est-elle l’occasion de passer sur Cinema4D ?

Oui, clairement. A moins d’être satisfait de son logiciel de 3D actuel parce qu’apprendre un nouveau logiciel est long et difficile, même avec des tutos Elephorm ! Mais pour tout ceux qui désirent depuis longtemps « reprendre la 3D » ou passer à la 3D, c’est maintenant ou jamais je dirais !

Pour les Padawan qui rêvent un jour d’égaler Maître Anquetil. Est-ce que Cinéma 4D est un bon logiciel 3D pour commencer ?

Attention, le vrai gourou « Yoda » vert chez 3DWeave, c’est Gaétan Langlois, qui vit retiré dans une planète isolée et que plus personne n’a vu réellement depuis 2 ans. Sans rire, oui c’est un bon produit pour commencer, il suffit de suivre le premier tuto Cinema 4D sur ce volume 1, et voir ce que qu’on arrive à faire en suivant mes leçons. De plus Cinema4D a toujours été renommé pour son ergonomie légendaire et la R13 a effacé les quelques lourdeurs qui commençait à apparaître depuis la 11.5. Il reste encore les  « triangles maudits » (ces flèches toutes petites qui cachent des fonctions hyper-importantes) mais globalement, c’est un produit très abordable pour les débutants, surtout par rapport aux concurrents de la catégorie. Et surtout il ne faut pas oublier que Cinema4D s’intègre bien avec Photoshop.

Comment s’organise ce premier volume de 8 heures de formation ?

Je suis partie d’une idée simple de jouets en bois, et comme d’habitude je n’ai pas pu m’empêcher de digresser. Il y a trois façons de faire des tutos  : Soit vous expliquez une fonction, de manière théorique, et alors ça manque d’exemples concrets et c’est très vite barbant, surtout sans une vision globale du logiciel. Ou alors, vous préparez tout soigneusement et vous faites un tuto « show à l’américaine » où tout va bien du premier coup, ce qui n’a aucun lien avec la réalité de la production 3D !

Et la troisième solution ?

Vous emmenez l’apprenant d’un point A à un point B par un voyage initiatique parmi les fonctions pour arriver à un résultat, parfois surprenant. C’est ce que je fais parce que c’est vivant ! On modélise quelques primitives, puis on complexifie, on obtient des figures de jeu de construction qu’on texture en bois. Enfin, on fait un éclairage basique, un rendu IG assez sympa et on commence à jouer avec la simulation physique pour tout écrouler. On en profite pour aborder rapidement des notions, rencontrer des erreurs courantes, mais au moins on arrive à un résultat probant en moins de 3h. Et surtout celui qui suit le tuto a vraiment appris. Après il y a une leçon sur un domaine hyper important du mapping de texture, c’est-à-dire le mapping précis et contrôlé d’images, de calques PSD et même de vectoriel (.ai ou tracés du logiciel). Là encore, ce sont des exemples réels, brut d’internet, qui servent de support. Ensuite il y a un exercice qui reprend la modélisation, avec un train en bois qui roule vraiment, et qui permet de voir d’autres outils et de continuer l’animation physique. Ensuite on continue avec des tutos sur des fonctions comme Hair ou Clothilde mais sous un angle pratique, utile. Très peu de gens ont besoin de faire des cheveux réalistes ou des vêtements dynamiques, qui sont de toute façon très compliqués, mais un gazon/tapis et un drapeau animé dans le vent, c’est toujours utile. Là encore, cela permet d’aborder simplement des modules complexes pour donner envie d’aller plus loin.

On n’en peut plus d’attendre ! Quel sera le contenu du volume 2, Cinema 4D contre-attaque ?

Hé bien, le deuxième est déjà à moitié enregistré, on y fera de l’animation de logo par image-clefs ce coup-ci, on verra comment insérer de la 3D dans une photo (compositing), quelques effets lumineux cinématographiques, plein d’outils de modélisation et à partir des formes ainsi crées, on verra la transparence et les reflets en détail pour créer du verre dans un environnement réaliste. Ça permet d’aborder le HDRI dans Cinema 4D, et pleins d’autres trucs et astuces… mais chut !!! Un espion de l’Empire.

A quand un opus 3, Cinéma 4D le retour du Jedi ?

En cours d’année 2012, je ferai sans doute un tour de ce qu’on n’a jamais vu dans notre formation Cinema4D. Mon souci reste toujours de montrer un résultat réel, sans cacher les difficultés mais en expliquant, encore et encore…

Quel est le secret d’un bon Elephormateur ?

Un bon café expresso, un stock de blagues, et un micro de qualité. En fait, vos clients bénéficient de toute l’expérience de 3DWeave en formation Cinema 4D présentielle. Donc, on sait où les débutants ont du mal, on connaît les caps à passer, on sait où sont les difficultés. Ensuite, il faut être assez fou pour parler tout seul devant son ordinateur, mais ça je l’ai toujours fait ! ;-)